Apprendre à dessiner

… ou l’art de dessiner des gens tout nus.

Mon exercice favori aux beaux arts, le dessin de nu combine à merveille le côté créatif et technique du dessin.

Il nous apprend l’anatomie générale et la gestuelle. Il permet un tas d’expérimentations comme de dessiner des deux mains, dessiner un modèle en mouvement ou encore tester différents médium et différents styles !

Avant de rentrer dans le vif du sujet j’aimerais insister sur 2 points : L’importance des poses courtes et la rigueur dans le temps de pose.

L’importance des poses courtes (30s à 2 min)

Elles font peur au début ces poses…

« 30 secondes ?? J’ai déjà du mal à dessiner qu’est-ce que vous voulez que je fasse en 30 secondes seulement ??? »

Testez et vous verrez. Dessiner rapidement vous empêche de trop penser, il est là le secret.

Vous faites ainsi beaucoup moins d’erreur et cela décoince votre trait.

( Ci contre un exemple de 20 secondes.)

Une rigueur dans les temps de pose :

5 min c’est 5 min, si un coup le professeur s’arrête à 4 ou laisse trainer jusqu’à 7, cela ne va pas.

Déjà, savoir en combien de temps on peut dessiner est important pour jauger son travail. Mais surtout, lorsqu’on dessine pour une certaine durée on calibre sa vitesse. On ne s’y prends pas de la même manière pour un dessin de 2 ou 10 minutes !

Laisser trainer une pause ou la couper prématurément c’est vous faire prendre de mauvaises habitudes. Cela vous coupe l’herbe sous le pied ou vous fait faire des erreurs en vous laissant le temps de revenir sur votre dessin car « il reste du temps en plus ».

LIBÉREZ VOTRE TRAIT

Les débutants font souvent des traits hésitant de 1 à 2 cm, tout doucement… presque de peur de brusquer la feuille… (c’est qu’elle est susceptible la petite, je ne compte plus le nombre de fois où je m’y suis coupé !)

Au contraire, il ne faut pas hésiter à faire de grands gestes, quitte au début à faire plusieurs lignes et à souligner ensuite la meilleure. Lâchez-vous !

Vous n’êtes pas là pour faire de BEAUX dessins mais pour apprendre à faire de BONS dessins.

Pour un mouvement plus souple et sensible, levez la main de la feuille et faites partir le mouvement non pas de votre poignet mais de l’épaule ! (Ou si vous êtes balaise : de l’orteil droit).

Vous aurez peut être au début un geste moins précis mais d’une plus grande amplitude. La précision viendra avec l’habitude.

C’est également pour cette raison qu’on nous conseille de dessiner sur un grand format (format raisin : 50x65cm) tout en prenant le plus d’espace possible sur la feuille, ça permet de libérer le geste et d’avoir un regard plus large.

Ah et la gomme vous pouvez la jeter par la fenêtre !

Il ne faut pas avoir peur de gribouiller et de considérer son dessin comme le résultat d’une recherche qu’un dessin en lui même.

Le crayon HB peut être évité, il ne vous donnera que des dessins fades et sans contraste. Un crayon plus gras vous permettra plus de nuances de gris. Perso du 2B pour l’illustration et du 3B ou 4B pour le dessin d’observation.

Vous pouvez utiliser différentes méthodes et différents médium :

Travailler les masses avec une craie noire, dessiner un modèle en mouvement, à l’aquarelle, marqueur noir, encre de chine à sec avec une brosse, dessiner sur du papier kraft brun, …

Un seul mot d’ordre : faites-vous plaisir ! 🙂

Le dessin de modèle vivant a beau être génial, pour une connaissance approfondie de l’anatomie Il vous faut travailler à partir de livres spécialisés, de photos ou même en vous admirant devant un miroir.

À mes débuts, je recommandais les livres de Burne Hogarth. Il décompose le corps humain et met en lumière comment les grandes masses du corps se lient entre elles. Bien qu’exagérées, les conseils y sont précieux et m’avaient aidé. Ensuite j’avais bénéficié de cours et croquis ici d’artistes de Pixar, Disney etc.

Aujourd’hui il y a les livres de morphologie de Michel Lauricella qui ont l’air géniaux.

Sans oublier « Forces » de Michael Mattesi pour vous initier aux forces qui jouent derrière les lignes.

Comme je vous disais, il y a de quoi faire !